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Crítica de cine | Cartas a Van Gogh

“Tiene que ver 'Cartas a Van Gogh' para creer que existe. Los directores han realizado un filme animado al estilo de las pinturas de Vincent Van Gogh”.

Tiene que ver “Cartas a Van Gogh” para creer que existe. Los directores, Dorota Kobiela y Hugh Welchman, han realizado un filme animado al estilo de las pinturas de Vincent Van Gogh. Cada fotograma es, técnicamente, una pintura. Recrean sus obras más distintivas e infunden vida en personajes reconocibles de sus lienzos. Si alguna vez deseó ver “Noche Estrellada” en movimiento, esta es su oportunidad.
100 artistas pintaron a mano los 65 mil cuadros que conforman la película, de poco más de hora y media de duración. Es un imaginativo uso del procedimiento conocido como “animación rotoscópica”, desarrollada por el cineasta norteamericano Richard Linklater para sus películas “Waking Life” (2001) y “A Scanner Darkly” (2006). La tecnología permite filmar a actores de carne y hueso, y después animar cuadro por cuadro el video resultante.

En lugar de presentar una biografía tradicional del artista, el guión escrito en colaboración con Jack Dehel se articula como un misterio post-mortem. El jefe de correos Joseph Roulin (Chris O’Dowd), uno de los pocos amigos del trágico pintor, encuentra una carta sellada, escrita por Vincent para su hermano Theo. Han pasado dos años desde su muerte, pero el hombre quiere cumplir su deber y entregar la carta a su destinatario. Para eso, recluta a su hijo, Armand (Douglas Booth), joven con poco miramiento para el artista.

Armand acomete la tarea a regañadientes, pero a medida que conoce a más personas conectadas con Van Gogh, y las circunstancias de sus últimos días, se obsesiona con la idea de saber que pasó exactamente. ¿Se quitó la vida por mano propia? ¿Fue un accidente? ¿Alguien jaló el gatillo? Los personajes son familiares de sus cuadros: el vendedor de pinturas Père Tanguy (John Sessions), la posadera Adeline Ravoux (Eleanor Tomlinson), el doctor Gachet (Jerome Flynn) y su hija, Marguerite (Saorsie Ronan) presentada como un posible interés romántico.

El “presente” del filme, cubriendo las interacciones de Armand, se visualiza como pinturas al óleo. Cada personaje que él encuentra funciona como el clásico narrador poco confiable, que ofrece una versión subjetiva de la verdad. Estas escenas se presentan como flashbacks, reproducidos como bocetos en carboncillo. El mundo de Van Gogh es, literalmente, blanco y negro, contrastando dramáticamente con el brillo de sus obras. Es un concepto que sugiere el arco trágico de su carrera. En vida, languidece en el anonimato gris, en los márgenes de la sociedad. Tras su muerte, su visión es validada, y cambia nuestra forma de ver el mundo.

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La forma supera el contenido en “Cartas a Van Gogh”. Armand no es un personaje interesante, más allá de cumplir su misión como doble del espectador. La articulación de los últimos días del artista, como una especie de misterio por resolver, es marginalmente interesante. Quizás funcione mejor para personas que desconocen completamente la historia. En medio de todo eso, el artista permanece inescrutable, como una quimera. En sus breves apariciones, encarnado por Robert Gulaczyk, apenas lo escuchamos hablar.

La artesanía de la empresa es admirable, aunque a veces puede resultar demandante para el globo ocular. Las tomas abiertas, con mucho detalle en reflejos y luces, por ejemplo, vibran con una multitud de estímulos. Son poco momentos, y duran segundos, pero ponen a prueba el concepto original del filme. Después de todo, los cuadros de Van Gogh no necesitan movimiento físico de sus elementos. Lo tienen implícito en sus pinceladas. La película termina siendo un curioso, pero innecesario desafío creativo. Fue nominada al Óscar en la categoría de Mejor Largometraje Animado, pero sucumbió ante la imparable “Coco”.

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